8개의 그림을 통해 JMW 터너를 만나보세요

빛의 화가로도 알려진 조셉 말로드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner)는 아마도 영국이 가장 좋아하는 낭만주의 화가일 것입니다. 1775년 런던의 평범한 가정에서 태어난 그는 12세에 그림과 수채화를 팔면서 경력을 시작했습니다. 그의 첫 작품은 부인할 수 없는 재능을 보여주었다. 때때로 괴상한 JMW 터너의 삶은 그의 일에 대한 완전한 헌신으로 특징지어졌습니다. 그는 만족할 줄 모르는 여행자였으며, 유럽 전역을 떠돌며 자신이 만난 풍경을 수채화로 기록했습니다. 그는 무엇보다도 풍경화가였습니다. 본질적으로 낭만주의적인 그의 작품은 나중에 새롭고 대담한 회화적 표현으로 발전하여 인상주의와 추상주의의 길을 열었습니다. JMW Turner가 그린 8개의 매혹적인 작품을 살펴보세요.

2013년 영국 그리니치 국립해양박물관에서는 터너와 바다(Turner and the Sea)라는 전시회가 열렸다. 해양 예술이 Turner 작품의 약 3분의 2를 차지한다는 사실을 아는 것은 흥미로운 행사입니다. 바다는 터너가 가장 좋아하는 주제였습니다. 2013년 전시회에는 1797년 왕립 아카데미를 방문한 방문객들에게 처음으로 깊은 인상을 준 대형 캔버스인 히트 페인팅이 전시되었습니다. 제목은 Fishermen at Sea입니다. 터너가 24세 때 왕립 아카데미에 전시한 최초의 유화이다. 이 그림은 18세기에 Joseph Vernet, Loutherbourg, Abraham Pether와 같은 예술가들에게 인기를 끌었던 달빛 풍경의 전통을 이어갑니다.

바다의 어부(Fishermen at Sea)는 터너가 달빛, 바다에 비친 달빛, 사실적인 파도를 포착하는 방식 때문에 사실주의적 그림으로 간주될 수 있습니다. 분위기로 볼 때 이 그림은 본질적으로 낭만주의적이다. 달과 바다의 위풍당당한 존재감을 통해 표현되는 자연의 압도적인 힘은 보는 사람으로서는 겸허해진다. 이는 에드먼드 버크(Edmund Burke)가 창안하고 낭만주의자들에게 매우 사랑받는 숭고함과 무한함의 개념을 반영합니다. 인간의 주체나 대상이 아닌 자연을 부각함으로써 자연 앞에서 인간의 무력함을 드러낸다. 달의 지배적인 빛과 달리, 어부의 등불은 약하고 깜박이는 빛을 발산하는데, 마치 자연 앞에서 인간의 하찮음을 강조하는 듯하다.

유럽을 여행하기 전에 Turner는 고국을 탐험하고 영국 풍경을 수채화로 많이 그렸습니다. 바다의 어부(Fishermen at Sea)에서 작가는 와이트 섬에서 보트를 타고 있는 어부들을 묘사합니다. 그림 배경 왼쪽에는 섬 해안의 상징적인 암석인 바늘(The Needles)이 그려져 있습니다. 1795년 와이트 섬 여행 중 터너는 수채화 노트 전체를 제작했습니다. 미술사가 John Gage에 따르면 이 위치에 대한 이러한 예술적 관심은 그림 같은 영향을 반영합니다. 그랜드 투어와 Loutherbourg 또는 Gainsborough와 같은 화가들의 전통에 따라 Turner는 자신을 강타한 풍경을 여행하고 기록했습니다.

현재 20파운드 지폐에 등장하는 이 자화상은 터너가 1799년에 그린 것입니다. 이 자화상은 터너가 왕립 아카데미 회원으로 선출된 같은 해에 그려졌기 때문에 터너는 이 중요한 순간을 기념하기 위해 이 그림을 그렸을 것입니다. 그의 경력에서.

그는 중립적 배경에 움직이지 않고 시선을 똑바로 고정한 채 매우 단순하게 자신을 묘사했습니다. 그의 뺨은 다채롭고 피부는 매끄럽고 통통합니다. 그는 더 이상 소년이 아니지만 어린 모습을 잃지 않았습니다. 날카로운 눈을 제외하면 그의 이목구비는 부정확하고 약간 흐릿하다. 그의 코는 특히 흐릿하게 칠해져 거의 위장되어 있습니다. 동료 예술가 조지 댄스(George Dance)가 그린 17세 터너의 또 다른 초상화는 옆에서 본 그의 코를 보여주며 이 자화상보다 훨씬 넓습니다.

그의 주변에는 그림자, 어둠, 미스터리가 있습니다. 그의 밝은 금발 머리, 창백한 피부, 하얀 옷은 어둡고 평범한 배경과 대조를 이룬다. 그는 우리의 관심을 전적으로 그에게 집중시키기 위해 자신을 차별화하기로 결정했습니다. 터너는 렘브란트의 자화상을 모방하여 자신이 예술가임을 상기시켜주는 붓이나 팔레트와 같은 액세서리도 없이 가식 없이 경직된 자신의 모습을 그렸습니다. 그의 후기 작품들에서와 마찬가지로 그는 관객이 작품을 해석하도록 초대합니다. 그는 자신의 예술을 이해하기 위해 우리에게 상상하고, 항상 자신을 더 멀리 투영하고, 감정으로 생각하도록 강요합니다.